ピナ・バウシュの「ヴォルマンド」。ジュリエタセルバンテスによる写真。 昨年、私はニューヨークのダウンタウンのスタジオで、テネシー・ウィリアムズの演劇をダンスシアターに適応させたショーのリハーサルをしていました。その日遅く、ダンススタジオの劇場のリハーサルができないというメールを受け取りました。私はすぐにダンスシアターの性質を説明する熱烈な返答を書き戻しました。私は何よりもまずダンスアーティストであり、私が行う仕事はダンスに依存しています。さらに、劇場のスタジオはコンクリートの床と小さなスペースがあり、椅子や小道具が散らかっているため、ダンサーにとって安全ではありません。怒り、恐れ、混乱、欲求不満など、無数の反応がありました。このスタジオは、さまざまなパフォーマンススタイルを擁護しています。なぜ私が取り組んでいるアートフォームが疑問視されたのですか？簡単に解決できたのですが、なぜダンスシアターがそんなに誤解されているのだろうと思いました。
ダンスシアターとは？
ニコールコルベールダンス/劇場の「恋人と見知らぬ人」。写真提供：Per Morten Abrahamsen
ダンスシアターは、舞台での身体的・心理的相互作用によって世界が創造されるダンスベースの芸術形式です。 Roland Langer（1984）は、「ダンス、スピーキング、歌、従来の演劇、そして1つのアマルガムでの小道具、セット、衣装の使用」を利用した要素を例示しています。通常、代わりに筋書きはなく、特定の状況、恐れ、人間の対立が提示されます。」結果として、それはしばしば劇的で物理的であるのと同じくらい概念的です。
歴史
ダンスシアターの起源は、ルドルフラバン（1879-1958）、クルトヨース（1901-1979）、メアリーウィグマン（1886-1973）にあり、ドイツ語でAusdruckstanzと呼ばれる表現主義的なダンス形式を開発しました。彼らは20年初頭に触発されましたth現実の複製よりも内面の感情やアイデアを強調しようとした絵画における世紀ドイツ表現主義運動。第一次世界大戦後、アーティストは物事を行う古い方法が停滞していると見なしました。ダンスでは、バレエは、戦争の出来事とその余波に対する個人と、恐怖や憧れなどの状況的反応を表現しなかった古い庭のジャンルと見なされていました。
ピナバウシュの「ネフェス」。ステファニーベルガーによる写真。
ローラサンジャコモブラサイズ
ヨースの弟子であるピナバウシュ（1940-2009）は、ダンスシアターの外交団長と見なされています。 Royd Climenhaga（2018）は、1960年代に若い振付師であったボシュロムが、ヨースやドイツ表現主義との仕事だけでなく、「舞台の世界を創造しようとした演劇アーティストの実験にも影響を受けた」と示唆しています。当時の「舞台上の世界ではなく」。
ボシュロムの作品には、伝統的な演劇の弧はありません。代わりに、一連のビネットとして構築され、テーマや場所に触発されています。ステージでは、水、花、土、瓦礫などの象徴的な記号を通して、物理的な世界が想起されます。この世界では、パフォーマーは話し、走り、踊り、汗を流し、互いにぶつかり、急降下します。人間の経験に対する個々の反応は強烈に実行され、動きの語彙は明確で表現力豊かです。彼女の作品は、ヨーロッパのジャンルの真剣な美的考察の先駆けとなっています。
アメリカの地にあるダンスシアター
「Still / Here」のBillT.Jones / Arnie Zane Company写真提供：Dan Rest、BAM HammArchives提供。
ダンスシアターは米国では歴史的な伝統がなく、その結果、それほど人気がありませんでした。マーサ・グラハム、ソフィー・マスロウ、アンナ・ソコロウなどのモダンダンスの初期のパイオニアは、社会を意識したテーマでダンスを作成し、表現力豊かなダンスの語彙を開発しましたが、1940年代までに、表現主義から抽象的なダンス作りへの移行がありました。マースカニンガムの。
ダンスに落ちる
しかし、1980年代半ばから1990年代にかけての短い期間、ダンスシアターアーティストと見なすことができる世代の振付家が登場しました。これらの振付家—ビル・T・ジョーンズ/アーニー・ゼイン、ダグ・ヴァローネ、ベベ・ミラー、ラルフ・レモン、サラ・ピアソン、パトリック・ウィドリグ、そしてテレ・オコナーは、今日も作品を制作しています—政治的、社会的を探求していたニューヨークのダウンタウンのダンサーでしたダンスと演劇の融合、話し言葉、演劇のビネット、表現の場としての身体の使用など、ヨーロッパのダンスシアターに似たテーマと作品の作成。彼らは、初期のモダンダンスのパイオニアの作品を知っていただけでなく、アーティストがジャンルを融合し、パフォーマンスの美的規範に挑戦した1960年代にジャドソンシアターから出てきた実験的な作品を見たか、知っていたでしょう。 。
アンナソコロウの「StepsofSilence」。スティーブンピサーノによる写真。
1980年代は、1960年代と同様に、大きな社会的および政治的変化の時期でもあり、個々のアーティストは、レーガン時代の景気後退、AIDSの流行、新保守主義の台頭、および人種差別の継続的な陰湿さの影響を強く受けました。とmisogynyは日常社会で表現されました。ミラーは、彼女の仕事は「人間の状態に根ざしている」と述べています。この芸術的な探究の流れは、この世代の振付家の懸念を捉えており、初期のドイツや他のヨーロッパのダンスシアターメーカーの衝動を彷彿とさせます。
1990年代の終わりまでに、ダンスは再びトラックを切り替え、抽象的な動きに基づく振り付けに重点が置かれました。ダンスシアターは外れ値になりました。
そしていま？
米国では、ダンスシアターへの関心が高まっています。ダンス評論家のSiobhanBurke（2017）は、現在のダンスシアターのアーティストとして、Annie B. Parson、Okwui Okpokwasili、FayeDriscollを挙げています。デビッド・ヌーマンとラジャ・フェザー・ケリーをそのリストに追加する必要があります。ますます多くのダンスメーカーがダンスシアターに興味を持つようになるにつれて、そのアイデンティティの点でまだいくつかの困難があります。英語には統一されたスペルすらありません。アメリカ議会図書館は引用しています ダンスシアター （ドイツ語）ヨーロッパのダンスシアターの名前ですが、英語では ダンス/劇場 、 ダンスシアター そして ダンスシアター 。セマンティクスはさておき、アメリカの土壌の形が直面する本当の課題は、トレーニングとパフォーマンスの機会の領域にあります。
ピナ・バウシュの「石の上の苔のように、そうそう、そうそう、そうだ…」。ステファニーベルガーによる写真。
北西部のバレエ衣装
ダンスシアター作品で演奏したいダンサーのためのトレーニングは重要です。次の振付師（ダンスシアターとして請求）が見たコンサートでは、作品は物語に大きく依存していましたが、ダンサーはステージで音声で話すスキルを持っていませんでした。ヘッドフォンを1つチューニングして音楽を聴くなど、非常に苛立たしい体験でした。
さらに、ダンスを披露する小さな劇場のキュレーターは、プログラミング時にダンスシアターのための意図的なスペースを作ることができます。そうすることで、アーティストがアイデアを開発し、創造的な問題（ステージで話すなど）を解決する機会が増えます。ジャンルを定義するのが難しいため、キュレーターはダンスシアターのプレゼンテーションをためらう可能性があります。さらに、統一されたスペルがないと、キュレーターはどこから始めればよいのかさえわからない可能性があります。その結果、ダンスシアターアーティストにとって多くの重要な機会が失われています。
アメリカのアートシーンの精神は、歴史的に、常に非常に実験的でした。同時に、アメリカの社会はレーベルによって動かされています。これらの2つの価値観は、芸術運動や形式を傍観者に追いやることがよくあります。おそらく、ラベル付けや定義の方法について心配するのをやめる時が来たのでしょう。それが何であるかを考えてみましょう：フォームの融合を利用するダンスベースのアート。代わりに、アメリカの土壌で成長し成長し、独自のものになる機会を与える問題に取り組みましょう。
のニコールコルベールによって ダンスは知らせます。
