要素の操作以上のもの。
エミリー・イェウェル・ボリン
振り付けの創造性があなたからにじみ出ていますか、それともあなたはあなたのダンス専攻で必要とされる振り付けの仕事に石化していますか？自然に創作したいという衝動があなたから流れてくるのか、必要な振り付けのクラスを必要としないパフォーマーや技術者だと思っているのかに関わらず、クラスを受講することであなたは思っている以上に多くを得ることができます。そして、信じられないかもしれませんが、あなたが振り付けのクラスに入るとき、あなたのダンスの教授はどちらの態度でも大丈夫です。彼らはただあなたがそこにいることを望んでいます。どうして？あなたには探求しなければならない動きの可能性があるからです。振り付けのトレーニングはあなたをより良いダンサーにし、フィールドでのさらなる情熱にあなたを導くかもしれません。これらの振り付けクラスを最大限に活用するためのヒントをいくつか紹介します。
- 何よりもまず、 ほとんどの優秀な振付家は自然にそれを手に入れませんでした、彼らは訓練されました。 これを受け入れます。
- インスピレーションを見つけましょう。 あなたの人生経験は興味深いものです。それらを見て、あなたの再解釈に基づいて作品を作成するための新しい方法を見つけてください。物語を語る直線的な作品、文字通りの解釈のない抽象的な作品、またはその両方を組み合わせて作成するように促されるかもしれません。沈黙の中で、またはあなたの創造性を誘発する音楽に移動する時間を過ごします。あなたの体がどのように動くか、そしてどんな考えが頭に浮かぶかを発見してください。これらの認識に触発されて、彼らはあなたの最も正直な創造的な欲求です。
- 振付師の仕事は 一緒に仕事をしているダンサーを素晴らしく見せてください 。キャストメンバーを選択するには、通常3つの戦略があります。熟練したダンサー、初心者のダンサー、または技術的な専門知識の組み合わせをキャストできます。とにかく、良心的なダンサーと協力し、時間をかけて振り付けを詳細に教えることが重要です。自分の動きを明確に伝えていない場合や、指示に反応できない、または反応しないダンサーと一緒に仕事をしていることに気付いた場合、最も巧妙に作成された作品は失敗します。意図した動きとスタイルを「ほぼ」実行するダンサーのキャストは、間違いなくあなたの作品の価値を低下させます。キャストメンバーの能力について現実的に考え、それに応じて振り付け、明快さを期待してください。
- あなたの個性に忠実であること 。リスクを冒して、自分の何かを共有してください。あなたは本質的にすべての動き、ダンス、その他の影響を受けています。そうでなければ、あなたは人生で見たり踊ったりしました。あなたの移動方法に対するこれらの影響を受け入れてください。それらから引き出しますが、それらによって麻痺しないでください。身体的および美的経験を利用して、独自の振り付けの声を開発します。経験の浅い振付家は、作品の簡潔な語彙やスタイルの開発にほとんど注意を払わずに、振り付けのフレーズの後にフレーズを開発することがよくあります。いくつかの動きのフレーズの操作を開始し、それらを拡張します。この時点では、少ないほど多くなります。作業中に「フィラー」ステップを見つけた場合は、それらをカットします。振り付けクラスの作業には、いくつかの短い振り付け研究の作成が含まれることがよくあります。確かな研究を作成し、それらが将来の拡張された作業の基礎を形成することに気付くかもしれません。
- あなたに話しかけ、仕事と密接に結びついている音楽を見つけましょう 。歌詞は大丈夫です、ただあなたがそれらに縛られることを理解してください。そして、認識できる曲や歌は、聴衆のためにたくさんの思い出や先入観を持っていることに注意してください。シンフォニックな曲を小さなキャストのダンサーと組み合わせるのは難しく、まばらな音楽を大きなキャストで作品にするのは難しいことを理解してください。シンコペーションや静止などの振り付けツールを仕事に利用することを検討してください。リズミカルな質感があなたの作品に強さを加えます。
- ステージングはすべてを変えます。 これは振り付けのクラスで学ぶことです。ステージングが機能するものを視覚化する方法を考案します。ステージング図を描き、紙の上でコインを動かして、自分に合った空間でダンサーを表現します。コレオグラフィークラスのコンテンツには、多くの実証済みの真のステージング情報が含まれています。これらの振り付け手法を実装し、他のアイデアを試してみてください。私たちの脳と目は、一度に複数の刺激を解読することに慣れています。作品の質感や演出については意図的に考えてください。あなたの好みの美学がひどい場合は、それに忠実です。あなたが宇宙で退廃的な豪華な体を作ることを楽しむなら、それを探検してください。いずれにせよ、意図的にして、偶然に何も残さないでください。
- 少なくとも1つの他の芸術形式であなたの作品の創造力を探ります。 詩を書いたり、絵を描いたり、描いたり、コラージュや絵コンテを作成したり、ジャーナルを作成したり、ジングルを作成したり、作品に関するあなたのアイデアに関連するテキストを読んだり…可能性は無限大です。作品のインスピレーションのポートフォリオを作成するために、振り付けプロセス全体を通してこれらのインスピレーションを近くに置いてください。これらの作品や発見をキャストメンバーと共有してください。または、さらに良いことに、あなたのキャストを創造的なプロセスに巻き込み、あなたのインスピレーションを共有するようにしてください。
- 反映して修正します。 振り付けの設定と学習に苦労して次のリハーサルに戻り、監督が作品に大きな変更を加えたことを知ったとき、それがどれほど苛立たしいことかは誰もが知っています。プロセスの一部としてこれを期待してください。熟練した振付家は反映し、修正します、そしてあなたもそうすべきです。リアルタイムで表示されるまで、何かが機能するかどうかを識別するのは難しいことがよくあります。教員の振り付けアドバイザーをリハーサルに招待するか、教員が視聴できるようにビデオを提供してください。彼/彼女の作品の印象を聞いて、彼らの推奨事項を実行するか、アイデアについてさらに議論を要求してください。
良い振り付けは、ダンスの最も基本的な要素である時間、空間、エネルギーの操作から生まれることは誰もが知っています。振り付けのクラスは、巧妙に作成された振り付けが、機械要素の単純なオーケストレーション以上のものであることを理解するのに役立ちます。 最高の作品は、時間、空間、エネルギーの見事な操作と連携して働く心と誠実さの物理的な探求を体現しています。 振り付けのクラスを修了した後も制作を続けるかどうかに関係なく、努力の結果、より優れたパフォーマー、技術者、教師、アーティストになります。
